Was ist Fine-Art-Fotografie?

Fine-Art-Fotografie als künstlerische Fotografie mit persönlicher, schöpferischer Handschrift

Vereinfacht gesagt ist Fine-Art-Fotografie eine Form der Fotografie, die nicht nur entsteht, um etwas festzuhalten, zu zeigen oder zu beschreiben, sondern vor allem, um etwas auszudrücken. Es geht dabei also nicht nur darum, was auf dem Bild zu sehen ist, sondern auch um das Gefühl, die Stimmung, den Gedanken oder die persönliche Sichtweise des Autors, die das Bild in sich trägt. Der Fotograf konzentriert sich hier nicht allein auf die möglichst getreue Wiedergabe der Realität, sondern arbeitet mit dem Bild als mit einem künstlerischen Werk. Eine wichtige Rolle spielen dabei Licht, Komposition, Atmosphäre, Symbolik und die gesamte individuelle Bildsprache des Autors. Genau dadurch unterscheidet sich die Fine-Art-Fotografie von der gewöhnlichen dokumentarischen, reportagehaften oder rein kommerziellen Fotografie. Im weiteren Sinne kann man sie auch als künstlerische Fotografie verstehen, also als eine Fotografie mit ästhetischer und persönlicher Tiefe.

Die Geschichte der Fine-Art-Fotografie und ihre Wurzeln im 19. Jahrhundert

Heute kann es so erscheinen, als handle es sich dabei vor allem um einen Begriff der letzten Jahre, weil man der Bezeichnung Fine Art heute deutlich häufiger begegnet als früher. Tatsächlich ist die Idee der Fotografie als Kunst jedoch keineswegs neu. Ihre Wurzeln reichen bis ins 19. Jahrhundert zurück, als immer intensiver darüber diskutiert wurde, ob Fotografie ebenso ernst genommen werden könne wie Malerei oder Grafik. Die größte Verbreitung der Bezeichnung Fine-Art-Fotografie selbst setzte allerdings erst viel später ein, vor allem mit dem Aufkommen der digitalen Fotografie. Gerade digitale Technologien, Bildbearbeitungsprogramme, Filter und neue Druckmöglichkeiten haben dazu geführt, dass diese Form des fotografischen Arbeitens einer breiten Öffentlichkeit deutlich zugänglicher wurde. Heute können daher weit mehr Menschen als früher Bilder mit künstlerischer Wirkung schaffen, und das auch ohne langjährige Erfahrung mit klassischen fotografischen Techniken oder mit der Arbeit in der Dunkelkammer. Deshalb kann leicht der Eindruck entstehen, Fine-Art-Fotografie sei erst ein Phänomen der letzten Jahre.

Der Piktorialismus und die Piktorialisten als Vorläufer der Fine-Art-Fotografie

Man kann sagen, dass zu den ersten Vorläufern der heutigen Fine-Art-Fotografie die Piktorialisten zählen, die vor allem an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert wirkten. Sie wollten zeigen, dass Fotografie nicht nur ein präzises Abbild der Wirklichkeit sein muss, sondern auch Kunst sein kann. Für die Piktorialisten war nicht allein wichtig, was auf der Fotografie dargestellt ist, sondern vor allem die Atmosphäre, das Licht, die Komposition, die Tonalität und der Gesamteindruck des Bildes. Deshalb schufen sie häufig Aufnahmen, die weicher, sanfter und malerischer wirkten, manchmal beinahe traumhaft oder melancholisch. Es ging ihnen nicht nur um technische Perfektion, sondern um Emotion, Stimmung und die persönliche Sicht des Autors. Gerade dadurch zeigten sie, dass ein Fotograf nicht nur jemand ist, der auf den Auslöser drückt, sondern ein wirklicher Schöpfer des Bildes.

Auch die Drucktechniken selbst waren für die Piktorialisten von großer Bedeutung, denn gerade durch sie konnten sie das endgültige Bild stärker beeinflussen. Beliebt waren beispielsweise der Gummidruck, aber auch der Platinotypie-Druck und der Bromöldruck, also Verfahren, die einen größeren Eingriff in die endgültige Erscheinung der Fotografie ermöglichten und ihr oft einen weicheren, feineren und stärker künstlerischen Charakter verliehen. Durch solche Verfahren konnte die Fotografie wesentlich individueller wirken und sich dem Kunstwerk noch stärker annähern. Darin lag eine der großen Stärken des Piktorialismus, denn es ging nicht nur um die Darstellung eines Motivs, sondern um die gesamte künstlerische Auffassung des Bildes.

Alfred Stieglitz und weitere bedeutende Künstler der Fine-Art-Fotografie

Eine bedeutende Persönlichkeit dieser Richtung war Alfred Stieglitz, der maßgeblich dazu beitrug, dass die Fotografie als vollwertige Kunstform anerkannt wurde. Zu den bekanntesten Vertretern des Piktorialismus gehörten außerdem Edward Steichen und Gertrude Käsebier. Gerade diese Künstler halfen dabei, die Auffassung durchzusetzen, dass Fotografie denselben künstlerischen Wert besitzen kann wie Malerei oder Grafik. Dank ihres Wirkens konnte sich die Fotografie zunehmend in Galerien und in der Kulturwelt als eigenständiges bildkünstlerisches Medium etablieren.

Auch dank dieser Pioniere wird die Fine-Art-Fotografie heute als eigenständiges künstlerisches Medium wahrgenommen. Sie wird von Galerien, Institutionen und Sammlern gleichermaßen geschätzt, und Werke bedeutender Fotografen werden häufig zu sehr hohen Preisen verkauft. Zu den prägenden Namen der späten Moderne und der zeitgenössischen Fine-Art-Fotografie zählen etwa Andreas Gursky, Gregory Crewdson und Hiroshi Sugimoto – Künstler, die dazu beigetragen haben zu bestätigen, dass die Fotografie heute auf dem Kunstmarkt und in der Welt der Galerien eine den anderen bildenden Künsten vollkommen gleichwertige Stellung einnimmt. Werke solcher Künstler erzielen auf dem Markt heute oft sehr hohe Preise, was nur unterstreicht, wie stark und angesehen die Position ist, die sich die Fine-Art-Fotografie im Laufe der Zeit erarbeitet hat. Zur jüngeren und zeitgenössischen Generation der Fine-Art-Fotografen können etwa Alex Prager, Tyler Mitchell, Bára Prášilová oder Wolfgang Tillmans gezählt werden – Künstler, die zeigen, dass die Fine-Art-Fotografie auch heute ein lebendiges und sich stetig weiterentwickelndes künstlerisches Feld ist.

Fine-Art-Fotografie, der Verkauf von Fotografien und ihre Bedeutung auf dem heutigen Markt

Heute bedeutet Fine-Art-Fotografie vor allem Fotografie, die als persönliches, авторisches und bildkünstlerisches Werk verstanden wird. Es handelt sich um ein Bild, bei dem es nicht nur um das eigentliche Motiv geht, sondern auch um Emotion, Gedanken und die Art der gestalterischen Umsetzung. Fine Art bezeichnet dabei keinen einzelnen festen Stil, denn sie kann die Form eines Porträts, einer Landschaft, eines Akts, eines Stilllebens oder einer inszenierten Fotografie annehmen. Entscheidend ist nicht das Genre, sondern die künstlerische Absicht des Autors und die Wirkung des fertigen Bildes. Gerade deshalb ist die künstlerische Fotografie heute ein wichtiger Bestandteil der Galerie- und Sammlerwelt.

Fine-Art-Fotografie und der Verkauf von Fotografien bilden heute somit einen Bereich, in dem bildkünstlerischer Wert, persönliche Aussage des Autors sowie sammlerisches und investives Potenzial zusammenkommen. Obwohl die Fotografie heute als künstlerisches Medium voll anerkannt ist und die Wertschätzung von Galerien wie auch von Sammlern genießt, sind die Werke vieler aufstrebender und mittelständig etablierter Fotografen oft noch preislich zugänglicher als etwa Malerei oder andere traditionelle bildkünstlerische Disziplinen. Gerade darin liegt einer ihrer Vorteile. Für viele Menschen kann die künstlerische Fotografie daher ein natürlicher und leichter zugänglicher Weg sein, mit dem Sammeln von Kunst zu beginnen oder sich ein originales авторisches Werk mit künstlerischem Wert für das eigene Zuhause anzuschaffen.

Fine-Art-Druck als Investition?

Zugleich bedeutet Fine-Art-Fotografie nicht nur die Möglichkeit, ein eindrucksvolles Bild zu besitzen, sondern auch einen Zugang zur Welt der Sammlerkunst. Gerade deshalb wird in den letzten Jahren immer häufiger auch über Fotografie als interessante Option für all jene gesprochen, die behutsamer, mit geringeren Kosten und zugleich mit einem klaren Blick für den tatsächlichen künstlerischen Wert eines Werkes in die Kunstwelt einsteigen möchten. Dieser Aspekt der künstlerischen Fotografie wird im gesonderten Thema über die Investition in Fotografie und ihre Stellung auf dem heutigen Kunstmarkt ausführlicher behandelt.